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lunes, 30 de junio de 2014

CRÍTICA: POMPEYA

¿Es el videojuego un arte? Paul W.Anderson no sólo responderia que si si no que es una forma en si misma de entender un tipo de concepto artístico audiovisual, fruto de la nuevas tecnologías. Por eso, sus peliculas son como videojuegos. Aquí vuelve hacer lo mismo de siempre aunque limando sus rasgos rave porque estamos en un péplum y no es plan de que los romanos bailen música electrónica...Sin embargo, como toda su filmografia ( quizá salvando un par de excepciones) todo són clichés: personajes tópicos, frases tópicos, desarrollo tópico y tan repetitivas como la frase que acabo de formular. 

Y todo por que es un copy past de anteriores productos. Esto seria una mezcla de 300, Gladiator, 2012 de Roland Emmerich con un romance que parece sacar de la série Sin Tetas o hay paraíso sobre el esquema de Los últimos de días de Pompeya. Del reparto poco que sacar. Jared Harris tiene poco tiempo para lucirse y no hablamos de Carrie-Anne-Moss, cuya carrera post-Matrix ha sido tan catástrófica como el fin de la ciudad protagonista.

Kiefer Sutherland parece divertirse en un malo de viñeta que parece un Jack Bauer desfasado y vestido de legionario hortera. Kit Harrigton hace un papel de heroe "malote" con voz afónica y su partenaire, una buenaza pija que montaria una ONG si sus padres le dejaran. Quizá el que mas disfruta es Adewale Akinnuoye-Agbaje, haciendo de Mr Eko de Perdidos, perfecto amigo y cómplice del protagonista. Pero todo eso será después de la primera mitad. Porque aunque la primera parte resulta algo cansina a pesar de su dinamismo, no es cuando los protagonistas entran en la arena y empieza la erupción cuando la película se transforma en ese guilty pleasure que une peplum, pelicula de acción y película de catastofres cartón-croma; como sólo podria hacer el canibalismo genérico propio de la série B ( sin olvidar.los videojuegos, por supuesto). Así que si quieren calamares a la pompeyana, insert coin y...Bienvenidos a este entretenimiento tan simple como efectivo. ¡Y que empiezen los juegos!

NOTA: 5,5

domingo, 29 de junio de 2014

CRÍTICA: EL SUEÑO DE ELLIS


Sin duda, James Gray es unos directores más “clásicos" de los últimos años. Mientras otros cineastas se mueven en códigos narrativos mas propios del cómic o del videojuego que del séptimo arte; el director de " La Noche es Nuestra" apunta hacia las raíces del cine, y más concretamente, del melodrama noir. Sus rasgos significativos són: un gran dominio de la cámara, la dirección de actores y esa complicidad con la historia en formato contenido...Así es James Gray, pero sea cual sea la propuesta de este director como apenas un póker de cintas, siempre ha encontrado en sus largometrajes con una carga de verdad, una verosimilitud  de un autor que nunca ha escondido su grado de implicación personal y pseudo autobiográfico en sus propuestas. Porque aunque James Gray, por ejemplo, no ha sido policia, si se ha criado en las calles que aparecen en sus primeros films en la década de los 70, 80 o en la actualidad. Pero como podréis suponer, en el año en 1921 dónde transcurre " El sueño de Ellis" aún no había nacido...

Y ese es uno de los principales problemas. Gray intenta hacer suyo un mundo ajeno con resultados irregulares con una historia llena de luces y sombras que respira gracias a su trío protagonista; en especial por una SUBLIME Marion Cotillard. Pero la película que sueña ser la parte de Vito Corleone en el Padrino 2, sólo consigue esa asociación con su protagonista en momentos puntuales; dónde el proceso interno de nuestra heroína dialoga con el director de "Two Lovers", como solo hacen los grandes directores. 

Pero es que aquí, los actores parecen abandonados por su escudero a diferencia de anteriores ocasiones. Phoenix tarda demasiado en destaparse y Renner está muy desaprovechado como mago encantado de conocerse, a pesar de que llene la pantalla en cada aparición. Otro gran hándicap es un desarrollo confuso y apático; que no profundiza en una evolución de los caracteres de forma sólida y origina una desconexión con la odisea de la protagonista; con momentos forzados que hacen precipitar la acción. Y aún peor, soluciones narrativas reiterativas y tan defectuosas como el exceso de fundido en negro.

Y es que la actriz de "Medianoche en París" se siente muy sola en la cinta al defender con una magnífica performance la historia de Ewa. Los esfuerzos de la actriz tienen recompensa, aunque todo acabe resultando insuficiente, muy por debajo de lo que una poderosa interpretación como lo que realiza la actriz francesa pudiera dar a cualquier cinta. Ni planos de gran belleza como el desenlace final, hacen enmascarar una película estirada, sin mácula. Y es que si no fuera por su elenco o por los momentos dónde el cineasta de Nueva York se siente cómodo y muestra su potencial, " El sueño de Ellis" sería un aburrimiento de buen diseño artístico y gran fotografía ( no en vano, tenemos al iraní Darius Khondji, emulando con nota al finado Gordon Willis)  pero pésima descripción de un mundo de colores pardos que quiere plasmar. Si, el film aprueba por los pelos grácias a sus destellos de talento que los tiene ( péro casi ahogados) y eso es muy por debajo de lo que uno espera de un director tan regular y tan atinado habitualmente como James Gray.

NOTA: 5,5

CRÍTICA: ENEMY

En el corazón de esa pesadilla llamada realidad hay una gran pregunta. ¿Habrá respuesta para ella o nos quedaremos atrapados por su misterio? Eso es lo que parece decirnos esta película que dinamitó la sección oficial del festival de San Sebastián (aunque el jurado no le hiciera caso). Basada en un relato de José Saramago (El hombre duplicado), Denis Villeuneuve recupera esas atmósferas surrealistas y oníricas que David Lynch engendró; construyendo su propia habitación roja a partir de una adaptación libérrima del texto del escritor portugués. No sabemos si lo que se oculta bajo esa imagen amarillenta son universos paralelos, mutaciones genéticas o algo mucho más abstracto; tan escondido en el interior de la mente del rol principal que sólo podemos pronosticar. Y es entonces, dónde esta película se te queda en la cabeza y te convierte en su propio protagonista .

Para eso, el director de Incendies coge a Jake Gyllenhaal (con el que repitió en Prisioneros pero aquí sobretodo es dónde se luce) para ejercer de afable profesor de literatura de vida monótona. Le añade un triángulo al más puro estilo Hitchcock con Mélanie Laurent y Sarah Gadon, que emula a Vértigo; de una sensualidad que deja sin habla. Si a todo eso le sumamos además de la dirección del director canadiense, el sólido guión de Javier Gullón, la óptica limonada e inestable de Nicolas Bolduc (esa iluminación tenebrosa, por favor), el sonido del gran Marc Orts, etc; tenemos el empaque suficiente para que nos preguntemos:  ¿Cómo seríamos "nosotros" frente a nosotros mismos?”. No busquen respuestas inmediatas. El tiempo las pondrá en su sitio.

NOTA: 9

CRÓNICA AFF: GANA EL COSTUMBRISMO

Últimas horas de certamen y aún no hemos hablado de las ganadoras de la sección oficial. Y es que, curiosamente, el jurado se ha decantado por dos films de costumbrismo local: el documental Se fa Saber como mejor película y la Mención especial del Jurado ha sido para Family Tour. Pero bueno, esto se soluciona en la siguiente crónica, donde además acabaremos con el film de clausura; en el que Casey Affleck y Rooney Mara son una joven pareja de fugitivos en los años 70 en " En Algún lugar sin ley". Adelante pues, con la última crónica del Atlantida Film Fest.

Se fa Saber es un documental sobre la vida de un pequeño pueblo del Montsià, Santa Bárbara. Su directora, Zoraida Roselló, se asienta en dos pilares para contar la vida diaria de sus habitantes: su origen nativo cuyas raíces ayudarán a establecer una complicidad con los entrevistados y su interés por la fotografía;  que enfatizará a través de una fotografía llena de notas de color optimistas que llenan de vitalidad a la vez que realiza un contraste con los planos inertes del municipio. La primera opción se beneficiará de la puesta en escena, huyendo de los esquemas del documental y captar la espontaneidad de la vida al momento. La otra, esos planos largos y enteros que subrayan la idea de un pueblo en el vacío, caduco pero vivo. Sin embargo, todo se queda en la realización y en la de algunos episodios y roles que aparecen en la cinta. Su dispersión en su desarrollo y el quedarse en la superficie por querer abarcar mucho sin éxito, caen en la reiteración. Así que para mi gusto, buenas ideas formales pero narrativamente, me parece muy floja y el resultado final, muy justo. En definitiva, para mi gusto no era lo mejor de la Sección Oficial pero ya se sabe que no llueve a gusto de todos…

Sin embargo, la otra propuesta ganadora me ha convencido bastante más. Con colores más planos para mostrar el grado de desencanto de la protagonista; esta crónica familiar de Liliana Torres nos recuerda a una versión de 3 días en la familia ubicada en una familia castellana de clase baja. Divertida y dramática a partes iguales (su parte final toca la fibra) este film capitaneado por una gran Núria Gago y una galería de episodios y secundarios tan cercanos como peculiares; nos traen una espontánea y valiente reflexión de la pérdida de la inocencia y la relación que origina dicha ausencia en nuestro núcleo familiar. Family Tour vale mucho la pena. Así que, a ver si llega a nuestras pantallas de cine…

Y por último, el film de clausura sobre los Bonnie y Clyde tejanos que terminan en un ejercicio de malickismos: contraluces mesiánicos, planos detalles naturistas, 35 mm y aroma de western folk existencialista. Pero sus excesos líricos casi engullen la cinta al dejarla suspendida en el tiempo en demasiados ocasiones y bordeando el melodrama artificioso en pros del pretendido onirismo sensorial. Los escasos momentos de acción elevan el conjunto así como las actuaciones de los secundarios como Ben Foster o Keith Carradine. Y es que aunque Affleck y Mara tienen química, parecen tan encasillados en sus roles (sobretodo Mara en su enésimo rol de “chica triste”) que ayudan a cierta incredulidad del envoltorio espeso de este “En algún lugar sin ley”. Se queda a medias pero la mitad del vaso ya es razón suficiente para tomar un trago…

Y hasta aquí las crónicas del certamen de cine online que llena la Semana Santa de buen cine nuestros hogares. Nos quedamos en la sección oficial con Casting, Toastmaster y con este Family Tour, cuyo premio nos parece más que merecido. Y a la falta de saber la sección Atlas queremos que Illo Illo o el documental de Michael Gondry lo gane. Y si resulta vencedora la batalla de Solferino tampoco nos quejaremos…Así está nuestro TOP que para variar no puede abarcar la cantidad de títulos que nos ha gustado; algo que da entender que la cosecha del 2014 del Atlantida Film Fest ha sido excelente. Y que esperamos la siguiente edición en 2015. Espero que hayas disfrutado de estas crónicas y...¡SIGAN DISFRUTANDO DEL CINE!

CRÓNICA AFF: TRIDENTE CÓMICO

En una semana marcada por procesiones y películas bíblicas, este cronista les propone un tridente cómico online gracias a Filmin y el Atlántida Film Festival. Si la sonrisa alarga la vida, las tres cintas que expondremos a continuación sin ser ninguna de ellas una obra magna contribuyen a extender nuestra existencias con un poso de vitalidad. Así que sin más preámbulos vamos a desgranar el trío de comedias que tenemos para hoy:

La propuesta número 1 es española. Junto a Stockholm, fue la otra gran triunfadora del Festival de Málaga del año pasado. No en vano, es una comedia llena de frescura, vitalidad y sencillez. Si bien es cierto que hay algunas situaciones forzadas, Casting, de Jorge Naranjo es una entretenida y muy divertida radiografía del mundo de los actores, ambientada en un multitudinario casting. Aunque el film lanza unos dardos afilados sobre ciertos métodos que se realizan en este tipo de pruebas, lo que en el fondo le interesan una serie de personajes con aparentemente casi nada en común, excepto una cosa: todos han acudido al mismo casting (a excepción de Juanra Bonet y Marta Poveda aunque están relacionados con el evento indirectamente). Otra de las bazas de Casting, radica en sus intérpretes secundarios; tan divertidos como Ken Appledorn o Nay Díaz son sus protagonistas Javier López y Esther Rivas los que enamoran con su peculiar versión de Vacaciones en Roma con el Madrid del mundo del acting de fondo.

DANZAD, DANZAD...

En segundo lugar, echamos un vistazo a la sección Atlas dónde pasamos del mundo de la actuación a uno no tan lejano; el de la danza. Y lo hacemos con un dúo cómico- artístico tan inesperado como sobresaliente. Y es que aunque fue Jérémie Elkaïm quien se llevo el premio al mejor actor en el festival de Roma, no es menos que la actuación de los dos protagonistas debería premiarse simultáneamente. La película gira en torno a un concepto simbólico burlesco que consiste en una atracción irresistible entre dos personas que son incapaces de separarse físicamente, independientemente de cuál sea su voluntad. Y eso es lo que les pasa de forma inexplicable en esta espécie de rom-com de hadas salpicada de artísticas secuencias de baile. Imposible mencionar el trabajo excelso de Valérie Lemercier como también que, aunque esta especie de “Una cuestión de tiempo” francesa quizá va algo rápido, y desaproveche un tanto ese magnífico filón cómico que es su punto de partida. No obstante, es un arrebatador y tierna reflexión sobre la danza, la vida y el amor con un equipo en estado de gracia; dirigida por Valerie Donzelli y acompañada de una colorida banda sonora.

Y terminamos con un brindis. Eric Boadella dirige una cinta que también recogió varios premios en el festival de Málaga. La vida de Alek, un estadounidense de familia armenia cambia cuando recibe la visita de Kapriel, la mafiosa oveja negra de la familia cuya visita será la última oportunidad de legar la tradición familiar del Maestro del Brindis. Entre la comedia amable y la ternura sincera, se alza esta sencilla historia donde las tradiciones y la nostalgia hacen mella en el espectador. Y es que el trío protagonista insufla vida “real” a unos personajes en este Toastmaster; dónde un joven bloguero y documentalista amateur, una niña entrañable y un mafioso menos feroz de lo que parece se preparan para una boda de lo mas especial. Así que no sería de extrañar que el film pueda sorprender también en la sección oficial del Atlantida Film Festival. Lo que parece claro es que este certamen no deja de sorprendernos con su buen gusto fílmico. Así que seguiremos informando

CRÓNICA AFF: 3 JOYAS

Turno de la Bruceplotation de la sección oficial. Creadores de una serie de vídeos webs de humor absurdo y existencialista, Canónomo Abandonado se pasa al largo gracias al crowdfounding con La tumba de Bruce Lee. La cinta, que ya despertó elogios en la pasada edición de Sitges es un beckettiano viaje espiritual que navega entre el freakismo, el lynchismo y cierta fatalidad nihilista. Con una historia original, una gran fotografía y un uso magnifico del sonido y banda sonora, esta imperfecta historia es mucho más de lo que parece. Sí, le faltan recursos para ambientar Seattle o los actores no hacen interpretaciones de Goya, pero también es cierto que dichos elementos forman parte de la gracia y contribuyen al extraño ambiente del film. No está al nivel quizá de Gente en Sitios de Cavestany, con la que comparten mucho en común pero, sin duda, es una de las favoritas a ganar la sección oficial. Habrá que estar atentos a ella.

LOVE STORY ORIGINAL

¿Se puede contar una historia de amor en 90 minutos y con sólo 2 planos secuencia?  Almost in Love responde que sí y de forma sobresaliente. Un triángulo amoroso impredecible que se oculta bajo las charlas y risas de un grupo de amigos en State Island representado bajo una música de ensueño y un uso de la planificación tanto visual como sonora sencillamente apabullante. Sasha, Kyle y Mia nos mostrarán como la vida nos hace intercambiar los roles de forma extraña. Una terraza en casa con vistas al puerto y el “resacón” de una boda inesperada dónde destaca un roba escenas nato (Alan Cumming on fire) son los dos segmentos separados por 18 meses de esta película que toca la fibra sensible sin efectismos. Magnífica.

Y para terminar, una locura que suena con música de Moby y que nace bajo la figura de un controvertido personaje. Ensayista, poeta, filósofo, chamán y creador de una terapia revolucionaria llamada psicomagia. Así es Alejandro Jodorowsky, genio para unos, chiflado para otros. Aunque más allá de tu punto de vista, este cronista le aconseja que se suban a ese mundo a bordo de este viaje onírico. Se llama Ritual:a Psychomagic Story, una experiencia visual y sensorial basada en las teorías del artista chileno que mezcla videoarte, thriller psicológico, giallo italiano y un descenso al mundo del simbolismo dirigido por Luca Immes y Giulia Brazzale. Para ello, el film no abandona en ningún momento su unidad dramática: La historia de una mujer que no puede superar los remordimientos de un aborto forzado crea otro triángulo de pasiones bárbaras que desembocará en un final catártico. Y si bien el trabajo de Désirée Giorgtti y  Anna Bonasso es notable, el mejor para mi gusto es el machista y deleznable personaje de Viktor, encarnado por Ivan Franek.
En definitiva, tres notables películas. Un muy buen sabor de boca. Y con este agradable eco, seguimos en el festival del cine online con más ganas de nunca. Así que, seguiremos informando.

CRÓNICA AFF: DE SOLFERINO A ISLANDIA

De Solferino a Islandia pasando por Austria hay un trecho. Pero nosotros vamos a hacerlo para inaugurar la última semana del Festival Online. Un tour desigual, por otro lado, ya que descompensa un poco la magnífica racha de títulos más que satisfactorios que estábamos llevando. Pero que empieza muy fuerte con un portento de cinta dirigida por Justin Triet...
Estoy hablando de La Batalla de Solferino, un film no indicado por personas por estrés. Domingo 6 de mayo del 2012, día de elecciones en Francia. La segunda vuelta entre Sarkozy y Hollande promete disputarse voto a voto. La calle Solferino de París es la muestra de una sociedad tan expectante por el resultado electoral como histérica por sus pasiones enfermizas. Unos sentimientos tan neuróticos como el que desarrolla una de las periodistas que cubre el evento: Laeticia, que tendrá que tener un ojo puesto en el hecho histórico que se está efectuando en directo y el ex desquiciado reclamando ver a las niñas. Simplemente, aparte de interpretaciones, ritmo, guión, banda sonora (Dead Man's Bones, el grupo de Ryan Gosling cuyas notas están usadas sabiamente) que son de 10... ¿Alguien me puede explicar cómo se puede rodar una película en tiempo real cuando está ocurriendo el hecho en el justo momento de la filmación; más aún con la marabunta que representa todo el acontecimiento?Sólo puedo aplaudir. Sólo en el epílogo donde el experimento llega a su reflexiva conclusión, quizá le hubieran sobrado un par de minutos pero no nos ponemos quisquillosos: Oh, Mon Dieu! Peliculón.
“Creo en el santo dinero, en la comunión de los bancos, en el pago de intereses y en los activos eternos. Amén”. Así se presenta Soldate Jeannette, la llamada Thelma y Louise indy directamente desde de Austria. La idea promete pero en cuando empieza el metraje y prosigues en él, te das cuenta que 80 minutos pueden ser muy largos. Para empezar, que esos planos lejanos sólo crean más distancia entre film y espectador. Que el ritmo que inyecta Daniel Hoesl es apático y todo resulta plano, sin gracia y con dos personajes odiosos con ganas de caernos bien por su incorrección pero que en mi persona no conectaron en ningún momento.  Que el presunto humor no funciona con un ambiente tan gélido...¿De lo más flojo del certamen? Para este humilde crítico, sin duda la respuesta es sí.

Y acabamos con una ligera decepción. Uno de los films que se me escapó de la anterior edición del Zinemaldia, fue el dirigido por este hombre, que entró a recoger su premio rechinando como un caballo: Benedikt Erlingsson. Un film de humor esquivo con diferentes historias muy bien rodado que nos muestra el costumbrismo islandés y se centra en la especial relación que el hombre tiene con los caballos. Las secuencias con los animales y la plasmación del paisaje islandés son muy destacables y la cinta es interesante y se ve con agrado. Pero a mitad del film uno acaba pronosticar que el film se quedara en eso. Hay cierta reiteración en ideas y estructura en una cinta que su palmarés (en los que incluye el premio de Nuevos Directores del Zinemaldia,) puede que le vaya algo en contra. Demasiadas expectativas, si. Desdeñable, en absoluto. Un film solvente es este Of Horses of Men con el que acabamos esta ruta pero ni mucho menos terminamos con las crónicas (aunque queden pocas). Así que seguiremos informando.

CRÖNICA AFF: MARAVILLA DE SINGAPUR


Siguiendo la estela en la que por ejemplo, marcó la sección oficial del Zinemaldia del año pasado, el cine sudamericano está presente con fuerza en la sección oficial del Atlántida Film Festival. Por eso hemos decidido desentrañar una propuesta de dicha procedencia, que ha resultado ser la más críptica que hemos degustado hasta ahora del catálogo. Su nombre es Noche y nos relata la historia de un grupo de amigos escuchando en el paraje natural de Dos Ríos, las grabaciones previas al suicidio de uno de ellos.

Y lo primero que tenemos que decir de Noche, se basa sobre todo en el sonido como elemento atmosférico. La imagen como plano secuencia estático, transiciones hipnóticas y poesía simbólica onírica. Sin duda, la cinta argentina no es para todos los gustos. Aunque a veces, se hace algo más tangible, el film quiere huir de las convenciones narrativas y aniquilarlas. Se beneficia, sin embargo de unos personajes bien definidos (o casi todos) a pesar de su surrealismo existencialista extremo para "enganchar" al espectador. Por mi parte me costó horrores entrar pero acabé accediendo. Y aunque me irritó a ratos, en otros me fascinó, amén de descubrir a Flavia Noguera; sin duda, la revelación de la cinta.  En definitivo, un experimento pasable apto para los amantes del cine que rompen radicalmente convenciones de cualquier tipo.

Otra de los caracteres predominantes de las cintas partícipes a concurso es que son de nuestros días. Como la ópera prima de Diego Llorente, Estos días. El cineasta de La Pola (Asturias) se pasa al largo después de triunfar con su cortometraje "Casa" para contarnos en 60 minutos, una historia en estos tiempos de crisis. Y es que tal como su título indica “ Estos días” es una historia de nuestro tiempo; un pequeño relato minimalista que sorprende con actores no profesionales que demuestran mucha mayor verosimilitud que muchos presuntos artistas del método. Fresca, natural y sin aspavientos son los ingredientes de un film que aunque se ve con agrado le falta profundidad y algo de cohesión. Hasta ahora, nos parece sin ser una maravilla la mejor propuesta de las que hemos degustado en Sección Oficial…

LA PERLA

Porqué hablando de maravillas…ahora llega el momento de la verdad. De la cinta que me ha enamorado y que está en la Sección Atlas dónde contiene “las perlas” que han cautivado en los festivales más prestigiosos del mundo. No en vano, ésta recibió 15 minutos de ovación en Cannes. Estamos hablando de Illo Illo:
Estamos en 1997, en Singapur. Los Lim son una familia acomodada de tres miembros que reciben a Teresa (Angeli Bayani), una mujer filipina que ha venido a la metrópolis a ganar dinero para  los suyos. La adaptación de Teresa en un ambiente desintegrado de relaciones distantes entre sus miembros acabará fructificándose en una relación especial con el problemático niño protagonista.

Con esta premisa, Anthony Chen levanta, en su singapurense ópera prima, un prodigio de película; un drama asiático familiar al más puro Koreeda. Una cinta sencilla, sutil, bella y tierna capaz de tocar la fibra el espectador como sólo el cine asiático puede hacer. Una de las mejores óperas primas en mucho tiempo…Mejor me ahorro más elogios. Sólo diré algo más. Tienen que verla. Es una de esas razones por la que este certamen nos despierta nuestra curiosidad cinéfila. En ella hay mucho oro que rescatar. Así pues, seguiremos informando

CRÓNICA AFF: ARRANQUE EL CERTAMEN


Si existe un evento ineludible para todo cinéfilo esa es el del  Atlantida  Film Fest, el más importante festival de cine on-line. Durante un mes, asistimos de forma privilegiada a un catalogo de "patatas calientes" para las distribuidoras, que, sin embargo, resultan peritas en dulce para los aficionados al séptimo arte. No en vano, son cintas que han pisado festivales de todo el mundo tan reputados como Cannes, Sundance o Berlín.

Este año, el certamen viene más cargado que nunca y amplia su catálogo. Ahora son 45 películas las que podemos disfrutar durante un mes de cine que ya empezó este pasado 27 de marzo. Illo Illo, Prince Avalanche, Of horses of men, Los inocentes o el Desconocido del Lago que abre el festival, adelantándose a su inminente estreno en abril en nuestro país.         

LA DECEPCIÓN

Justamente, empezamos por la cinta de inauguración antes mencionada: El desconocido del lago. Considerada por la prestigiosa revista de cine Cahiers de Cinema como el mejor film de 2013. Sin embargo, este humilde crítico no coincide ni por asomo a esa consideración. Este hitchockiana revisión del mito de la maldad oculta (ambientada en el microcosmos del lago dónde se practica el cruising entre hombres), va fracasando a medida que avanza el metraje por varios motivos: Su innecesaria sexualidad explícita, su reiteración estructural e incluso visual y su previsibilidad. Si bien es cierto que los largos planos nos introducen en esa enrarecida atmósfera, el film se va disolviendo hasta quedar en “postureo fímico”. Es una lástima porque la propuesta empieza bien y ese aire de cine verité le sienta como un guante a la descripción de un universo poco tratado en el celuloide.

Así que decidimos ir con algo más animado, que nos hiciera saltar de la butaca. Del género de terror, en este Atlántida Film Festival teníamos 2 propuestas procedentes de nuestro país. Una ya la habíamos podido disfrutar en Sitges: los Innocentes dirigida por 12 alumnos del ESCAC. Si bien el film es un slasher al uso con todos los tópicos recogidos del género y la simplicidad en roles, argumentos y pretensiones como baza; esta última se acaba beneficiado del brainstorming de los realizadores tras del proyecto. Conclusión: una película tan simple como entretenida que va de menos a más y te engancha hasta el último minuto.

Sin embargo, no es lo que hemos encontrado en Reset. Sólo las breves apariciones del gran Pau Durá se salvan en la parte actoral, donde los actores jóvenes sobretodo no me transmitieron ningún tipo de verosimilitud. Y la historia promete pero se hace monótona  y al confiar más en los actores y el guión que en la acción, la hacen sucumbir al estar estos factores de nivel tan bajo. Es decir, terror aburrido para este cronista. Una lástima para un film cuya dirección técnica i artística es su mayor virtud pero está enterrado debajo de tantos elementos discutibles.

LA JOYA


¿Y todo va a ser decepciones? Pues no. Para eso, lo mejor es recurrir a los maestros. Llegó la hora de Michel Gondry, el director de Olvídate de mí  en el documental Is the Man Who is Tall Happy: An Animated Conversation with Noam Chomsky. Concebido a lo largo de cuatro años y a partir de una entrevista, Gondry nos sumerge en un alucinante viaje en las raíces del metalenguaje y nuestra percepción de las cosas a través del saber del dibujante rebelde Noam Chomsky. Sus reflexiones se transforman en animación; surgidas de un punto de fuga de un ávido buscador de respuestas que es el propio realizador. Su dinamización en imágenes de ese goce filosófico no es apto para todo el mundo pero a mí me hechizado este nuevo experimento del genio nacido en Versalles.

Y hasta aquí nuestro análisis en la primera y más breve semana del festival de cine dónde las películas llegan a nuestro hogar. Seguiremos informando

CRÍTICA: EL EXTRAODINARIO VIAJE DE T. S. SPIVET

Atención madres y padres: ya basta con atiborrar a vuestros hijos de fármacos contra hiperactividad y otras estupideces. Porque si os dais por aludidos, aquí este director francófono ha llegado para deciros que aquí el único que tiene el cerebro atrofiado sois vosotros. Y eso es culpa de tanto consultar la Wikipedia por el móvil.

Porque en la edad que comprende de la infancia a la adolescencia, los niños tienen que ser un polvorín de preguntas, imaginación y barroquismo tan grande como el que aquí vuelve a demostrar Jean-Pierre Jeunet en su última cinta, El extraordinario viaje de T.S. Spivet. Todo para que a través de unos colores saturados, personajes esféricos y movimientos de cámara cartoon- circense nos llega la historia de T. S. Spivet, un pequeño genio en la ciencia que busca no sólo entretener si no ofrecer valores no tanto estéticos si no morales: sin maniqueísmo, con inteligencia y con lucidez. Y paradójicamente lo hace mediante el instrumento tecnológico de última moda: un 3D ideal para troquelar la ficción del cineasta francés.

Y es que a diferencia del "Peterpanismo" que vimos recientemente en el Gran Hotel Budapest, el carácter naïf del director de Delicatessen dista mucho con el universo "Wesandersiano". Dónde en uno, apela el espíritu del nerd encantado de serlo apoyándose en el armazón de sus historias como vínculo emocional, aquí todo es un júbilo encanto de su infancia. Un festín protagonizado por Kyle Catlett en el rol de T. S. Spivet; superdotado de doce años que vive en un rancho en Montana con su peculiar familia. Su gran talento para la cartografía pronto tiene recompensa. Una institución científica le concede un prestigioso premio y, armado con una pequeña maleta, se dispone a cruzar el país para recogerlo. Así es como empieza esta road movie basada en un relato de Reif Larsen, música de Denis Sanacore, fotografía de Thomas Hardmeir y cómo no, un diseño de producción del gran Marc Caro. Y actores perfectos en el papel, claro está: como esta mentora mediática a la que da vida Judy Davis.


Sin embargo, a pesar de estas rasgos que humildemente señalo como virtuosos (habrá que los repelará justamente por lo mismo, obviamente) considero que la película no es perfecta. Sobre todo a mitad del metraje, se antoja que el viaje por Usa hasta el Smithsonian del pequeño lumbreras está a punto de caer en la mera caligrafía autoral. Sin embargo, un ácido final dónde la telebasura y todas los prejuicios educativos mencionados anteriormente se introducen en la guillotina,  el film levanta el vuelo. Y se eleva como un producto necesario ante la estulticia de cierto cine infantil de carne y hueso, que si bien no rompe la pana, seguramente se alzará con lo mejor de la estirpe de su cosecha. Quizás es menos de lo que esperamos de Jeunet, que es la más "comercial" de este director, pero El extraodinario viaje de J. Spivet es un entretenimiento de calidad para toda la familia; sin alejarse de lo que ha convertido el director de Roainne en lo que Es. Mercie Mounsieur Jeunet.

NOTA: 7


CRÍTICA: GANGS OF WASSEYPUR (PARTE 1)

Existen 2 clases de hombres: los hijos de puta y los imbéciles." Así empieza la voz en off de este titán fílmico que es Gangs of Wasseypur. El cine de gánsteres aterriza en Bollywood con ganas de hacerlo explotar entre navajazos, disparos a bocajarro y granadas caseras. La historia empieza a principios de siglo con los británicos explotando la provincia de Bengala para sacar carbón y Shahid Khan, un hombre que decide convertirse en bandido y asaltar los trenes llenos de ese combustible fósil.

Sin embargo, cuando uno de esos asaltos fracasa y es exiliado de la ciudad, una serie de hechos proporcionará que sea asesinado a traición por Ramadhir Singh. Su hijo pequeño, Sardan Khan huirá de su hogar para volver dos décadas después a vengarse del hombre que acabó con su padre...
 

En principio, nada nuevo bajo el sol. Una historia de venganza que nos recuerda, por ejemplo, a la de Gangs of New York de Scorsese; desarrollada a través de 3 generaciones de familias hindús. Sin embargo, Sardan Khan no es ningún héroe como lo era en su parte el Ansterdam de Leonardo Di Caprio. Es una persona que se ha criado con un odio, un vacío, que le convierten en alguien mezquino incapaz de controlar sus impulsos y de dar verdadero amor. La relación con sus mujeres e hijos (si, en plural) son buena muestra de ello. Es muy difícil valorar un film de 5 horas partido en 2 como éste, sin olvidar que nos aguarda la segunda parte de la naranja al otro lado de la esquina (la segunda parte nos llega a principios de mayo).
 
Pero este primer segmento deja clavado en la butaca en un suspiro. Amén de contarnos la historia de un país que en Occidente nos resulta bastante desconocido, el film es un viaje que huye de la previsibilidad que pueda aparentar su premisa para sumergirse en un complejo, denso pero demoledor crónica de una sociedad sin rumbo: un universo lleno de odios dónde la redención parece tener su castigo y el mal aparenta ser un ganador.
 
Manoj Bajpa (Sardar Khan) tiene el hándicap de igualar el listón de Jaideep Ahlawat, su padre en la ficción, pero acaba ganándose la platea con su contradictorio personaje que evolucionará de forma insospechada; dejando un legado de muerte y destrucción. El resto del poblado elenco también cumple aunque lo fascinante es como se fusiona una gran banda sonora con las imágenes. A veces, uno parece ver un espagueti western, en otras un musical que acaba en balazos y en otras, un drama histórico y social.

Por ahora, podíamos valorar este intenso tour de force como el intento casi milagroso de hacer la prosopografía de la historia de un país en una cinta de género tan ambiciosa como efectiva. El desenlace nos lo dirá si sale exitoso de la contienda. Por ahora, puede mirar de tu a tu las obras de su estirpe y eso es ya mucho…Veremos.
 
Nota: 9

CRÍTICA: GANGS OF WASSEYPUR (PARTE 2)

El error, el odio, el naúfrago.. Un perro de tres cabezas vertebrado en 2 partes cuyo pedazo final, huye de lo esperado con la fluidez de un río rebelde. Y es que más que nunca, la segunda parte de esta Gangs of Wasseypur parece dirigida por un descendiente hindú de Sam Peckinpach y su director de fotografía de L. Ballard. Pero no, se trata de Anurag Kashyap, un hindú que ha vivido entre esas mismas trincheras. Y, para ello, Anurag empieza la jugada de forma inesperada después de una masacre que nos recuerda a una escena cumbre del Padrino de Coppola dónde el eje de rotación de la historia viraba 180 grados. Y de ahí, vamos a otra cosa...

Los zooms y la estética western de Sergio Leone fast food deja paso a un film que navega en la introspección ligth y el blockbuster cuya forma de ser amén de espectáculo pirotécnico, es verbalizado por el gran villano de la saga:  "No veos films de Bollywood" responde Ramadir Singh, para dar constancia que el cine ha convertido en carne de cañón a los "imbéciles" que emulaban a sus héroes. Todo lo contrario que un Faizal Khan tan colocado y autómata que parece un zombie sin esperanza cuyo carácter impregna al film...hasta que la locura ya sean en inusitados momentos de humor o en tormentas de balas que hacen explotar todo el universo construido estas 5 horas. Y es que su explicita violencia responde a un odio colosal que nunca será capaz de "morir"...

No obstante, aunque si bien es cierto que tiene mucho menos altibajos de los que quizá uno podría pronosticar, esta segunda parte (llena de puntos de giro y una hora final de aplauso) es la más irregular de este fresco de la India; con clanes que juegan a las pistolitas sin saber conscientes no sólo de sus consecuencias si no del legado que transmitirán a sus generaciones de las mismas. Mas planos detrás de verjas, planos secuencias psicodélicos y ambientes vaporosos son la antesala de una 2 parte arriesgada: menos seductora pero con final ganador. Y es que este Gangs of Wasseypur es de principio a fin, una importante piedra del exigente subgénero gansteril que hay que ver.

NOTA: 8

CRÍTICA: GANGS OF WASSEYPUR

El cine hindú nos llegó con una propuesta que unia el cine de gángster con Bollywood. Además, elementos como el heroic bloodshed o el sphaguetty western también se daban cita en Gangs of Wasseypur: gran fresco sobre la sociedad india de de 5 horas que aquí desgranamos a continuación. 

El filme narra la historia de las familias corruptas de Wasseypur, ciudad conocida en la India por el carbón y sus mafias, desde los años 40 hasta hoy. Tres generaciones de familias rivales que acaban retratando la historia del país a través de la violencia y la venganza.

La cinta se estrenó en el Festival de Cannes de 2012 en la Quincena de los Realizadores. Era la primera vez que un largometraje de Bollywood aterrizaba en la Croisette y crítica y prensa quedaron gratamente sorprendidos ante el talento demostrado por Anurag Khassyap en este colosal proyecto; (que también heló Sitges y Sundance).

Lógicamente, los premios llamaron a su puerta. Los National Film Awards de India le concedieron una mención especial del jurado, mientras que los premios Filmfare, los Oscar de Bollywood, le otorgaron diez nominaciones de las que consiguió cuatro galardones, entre ellos el de mejor película para la crítica.
No es para menos. Con un fugaz estreno en cines dividido en dos partes, el film ahora en Dvd en nuestro país después de 2 años de retraso acerca de su país de origen no dejará a nadie indiferente.

Gangs of Wasseypur: Parte 1
Gangs of Wasseypur: Parte 2