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sábado, 26 de enero de 2013

CRÍTICA: LA VIDA DE PI

Desde hace un tiempo,  no prestaba atención a la literatura de Pablo Coelho, por ejemplo. Obras llenas de simbolismo y mensaje como Maktub no me decían nada pero alguien me descubrió este tipo de ideas y aunque a veces le vea costuras a su narración, me gusta lo que proponen. Pero no había leído el libro de Yann Martel. Y después de su adaptación al cine, tengo cierta curiosidad de hacerlo. Sin embargo, aunque parezca paradójico, el film de Ang Lee no me gusta.
La primera hora de película me recuerda a la peor versión de “El Curioso Caso de Benjamín Button” donde Brad Pitt era un niño viejo. Una narración confusa, explicada a través del propio Pi. Un narrador con una presentación  forzada  a través de una entrevista que llega a su casa para que le cuente una historia. Recursos que el guión usa demasiado en pantalla sin definirles correctamente, porque el film está demasiado preocupado en…acuarelas.

Si, el 90% del film es el aspecto visual. Nada que reprochar a esta parte. Avatar era una versión de Pocahontas en el espacio, por ejemplo, pero la cinta de James Cameron era muy sólida narrativamente. No es el caso de la primera parte del film del director oriental dónde disemina las piezas del rompecabezas sin un hilo conductor consistente. Eso sí, las imágenes bonitas que no falten aunque no vengan a cuento. Y el mensaje del film no puede ser mostrado de forma sutil si no a modo de sermón filosófico. Y uno se pregunta… ¿Dónde está el director minimalista de Brokeback Mountain? ¿Es el mismo que la Vida de pi? En efecto pero no lo que en aquella película me ganó, aquí me falta. Y no me ayuda a entrar en la historia.

La cosa mejora en el segundo acto. En el núcleo de la historia en cuestión. Ang Lee corrige errores como esa narración paralela" (sólo lo usa una vez cuando no hay más remedio) y se centra en una historia fantástica de supervivencia entre un tigre y nuestro protagonista. Un Suraj Sharma que no conmueve  a pesar de sus esfuerzos como Pi. Un personaje plano por mucho que quieran, muy mal construido desde el principio y que no tiene el encanto de por ejemplo, el Dev Patel de Slumdog Millonaire.  Por el guión y por el actor.

Eso sin olvidar, el giro final donde se juntan las piezas donde Ang Lee escoge una manera anti climática que no ayuda al film a remontar el vuelo. En definitiva, La vida de Pi me parece una película fallida muy bonita; con una primera parte aburrida y otra  parte entretenida pero poco más. Las 11 nominaciones no las veo por ningún sitio. Quizá ustedes puedan. Pero yo no he quedado atrapado en su hechizo.

NOTA: 4

CRÍTICA: CORIOLANUS


El cine no es teatro. Son medios distintos con lenguajes diferentes. En el primero los actores que se ponen delante de la cámara tienen que dominar el arte de la sutilidad pues cada gesto en una pantalla se magnifica. Pero en un teatro no tenemos ningún filtro para captar esos momentos y los actores tienen que "sobreactuar"; exagerar su interpretación para llegar tanto a la primera fila como la última. ¿Y por qué os cuento todo esto? Porque este es el principal motivo por la que este Coriolanus me parece un film absolutamente FALLIDO.

Los actores sobreactúan. Todos (menos Jessica Chastain y en menor medida Brian Cox). El resto entienden que para decir el texto de Shakespeare hay que hacerlo gritando; realizando una actuación 100 por cien teatral en un medio que no es el suyo (Y además teatro del malo porque el de calidad si tiene matices). Aquí sólo la actriz protagonista de "La noche más oscura" con un rol bastante secundario es la única que hace medianamente creíble el texto del dramaturgo británico.


 Porqué la adaptación tampoco funciona. No cambiar ni una coma y adaptarlo a la época actual es una labor casi imposible; más verosímil en un escenario pero no en la sala. Otro error de un Ralph Fiennes (director y protagonista del film) que cree que con una buena factura técnica (sobre todo en las escenas de acción) es suficiente para llevar a cabo su propuesta. Si, el look neo nazi está conseguido  y hubiera podido dar a una épica urbana y sucia con la estructura de la obra del Bardo y un lenguaje moldeado para los cánones del cinematográfico. Sin embargo, para este crítico no ha sido así

Rídicula y tediosa. Un aburrimiento que yo no recomiendo a nadie. Esto es lo que me ha parecido esta película. Así que yo les recomendaria que no pierdan el tiempo con ella. Si quieren ver una buena adaptación literal de William Shakespeare les aconsejo Hamlet de Kenneth Branagth. Y por si contra, prefieren una versión mas libérrima de la Tempestad, prueben con esa joya de la ciencia ficción llamada Planeta Prohibido. Péro este Coriolanus a mi no me gustó. Están avisados.

NOTA: 2


viernes, 25 de enero de 2013

CRÍTICA: DJANGO DESENCADENADO

 

Django desencadenado es una película de Quentin Tarantino. Para bien o para mal. Un director muy peculiar que siempre afronta los géneros ya sea el cine negro, el de samuráis o en este caso el western para darle la vuelta y hacer algo diferente. Eso significa lo siguiente: quién busque una película del oeste de toda la vida, que se olvide. Quién busque una película ortodoxa y seria, que se olvide. Y quien busque violencia contenida, todavía más. Tarantino se violencia, pero sobre todo una violencia artificial donde la sangre sale a chorros de manera irreal y exagerada. Tarantino es casi es un género en si mismo; el cual a pesar y reinventarse en cada película tiene unas constantes en su cine donde su principal premisa es que...esto es un juego y quiero que entráis y disfrutéis tanto como yo lo he hecho haciéndolo. ¿Y cómo este Django? Pues por quien subscribe una impagable obra de dirección. Eso para empezar. Desde que la canción del Django de 1966 que suena en los créditos y que el director hace homenaje nos damos cuenta que estamos ante un western con más diálogo de lo habitual (otro constante del director) pero con más fluidez (y linealidad) así como concreción de lo habitual. Y con el humor siempre presente para que el viaje sea lo mes disfrutable posible.

Aun así, Django Desencadenado no es una obra vacía. Dentro de los gags, de la acción exagerada por amantes de la adrenalina y la cinefilia, es un largometraje que trata el tema de la esclavitud de una manera interesante, corrosiva y que ayuda a reflexionar. En uno de los momentos del films la película nos muestra lo absurdo que se tratar a una persona de manera diferente sólo por el color de piel. Denuncia la violencia que ejercía los amos sobre los esclavos (curiosamente aquí Tarantino divide la violencia en dos: la suya (la buena) y la de los malos (la "mala" y mas real). Y además, entre otros temas, Quentin mete el dedo en la llaga  para decirnos que muchos negros también contribuyeron a que su raza estuviera sometida. En definitiva, una película que dentro de este pasamiento de calidad que es, tiene cosas muy interesantes a decir. 

Sin embargo los últimos 20 minutos suenan un poco precipitados cómo si Tarantino tuviera que terminar el film a contrarreloj y de manera obligatoriamente explosiva.  El segmento final da cierta sensación que el film ha perdido el norte, de cierta sensación de epilogo forzado después de su clímax;  una secuencia muy en la línea del director que desemboca en una resolución tan impredecible como el genio de Tennessee. Una (pequeña) mancha para un film de los que va ganando con el visionado. Cinta de visión obligada y otra obra referencia del director para el firmante; al que sólo Death Proof considera indigna de una filmografía excelsa.

NOTA: 8,5

CRÍTICA: BESTIAS DEL SUR SALVAJES


Ben Zieitlin debuta con agallas. El director nos explica la historia de una comunidad al sur de Louisana a través de los ojos de una niña de seis años llamada Hushpuppy. Una comunidad marginal, incivilizada que vive entre la naturaleza y el mundo animal como si de indígenas se tratara. Pero no, es la América Profunda y una metáfora sobre la relación del hombre con la naturaleza y lo insignificantes que somos ante ella.

El director demuestra tener un poderío visual que muchos les gustaría tener. "Bestias del Sur Salvajes" no sólo retrata los escenarios para nuestros ojos. Nos los hace percibir a través de los demás sentidos. Es un film con textura. Uno puede percibir la humedad, la miseria, la podredumbre, el barro, el  vello de los animales,  la viscosidad, etc.…Una labor que haya llevado a este desconocido a ser nominado como mejor film y director. A la academia no le falta razón. Es una producción pequeña hecho con pocos recursos y mucho esfuerzo (los escenarios y actores son reales como si de un documental se tratara). Merece ese espaldarazo y reconocimiento por parte de las nominaciones a la estatuilla dorada…
 

Pero…para mí el principal problema guión es el film. Existen dos universos en el relato que coexisten con resultados desiguales. Uno el más realista donde el film captura esa realidad tan cruda y otra más fantástica y metafórica; la mirada infantil de nuestra protagonista que aunque consigue momentos de magia, está  de forma menos inspirada: narrada de forma algo confusa, con algunas alegorías demasiado obvias y no lo suficientemente desarrollado; sobre todo con antecedentes tan inspirados como “El Laberinto del Fauno” de Guillermo del Toro, por ejemplo.

 Nada que objetar a nivel técnico. Su banda sonora que además co-escrita por el polifacético director es de una belleza mágica digna de elogio. Hacen que imágenes tan bellas como los fuegos artificiales del cartel lleguen al espectador; así como el drama familiar entre el padre y su hija, tan afectado por ese medio hostil en el que tienen que vivir. Un ecosistema, del que sin embargo, ellos aceptan como tal porqué es parte de su naturaleza. Un regreso y reivindicación a los instintos más primarios; porque en el fondo, los seres humanos somos TODOS... animales en una selva.

Conclusión: Film impecablemente realizado e interesante pero cuyo guión lo convierte tan sólo en una cinta estimable para quien suscribe. Para mí, no es la obra maestra que muchos han dicho aunque sus responsables tienen madera para poder realizar grandes propuestas en un futuro.

NOTA: 6,5




CRÍTICA: LAS VENTAJAS DE SER UN MARGINADO

Parece mentira que un escritor pueda adaptar su propio libro y dirigirlo. Y aún más que a la hora de traducir el lenguaje literario al cinematográfico, no sólo salga airoso si lo haga con tanto talento. Pero la verdad es que con esta película Stephen Chobsky lo ha conseguido. Para este crítico, " Las ventajas de ser un marginado" es la sorpresa más agradable de lo que va de año. Una gran pelicula.

Esta novela de culto nos explica la historia de Charlie, ( Logan Lerman) un chico tímido e impopular y sus años de instituto en los cuya vida cambia el día que se hace amigo de Sam ( Emma Watson) y de su hermanastro ( Ezra Miller) otros " marginados" como él.

A diferencia de otras cintas indies como la reciente "El lado bueno de las cosas" el film no se convierte en un conjunto de referencias culturales. No hace falta ser un fan de Rock Horror Picture Show por poner un ejemplo para disfrutar de la película. Mas que hacer un ejercicio de reivindicación pedante, el film nos habla una historia muy humana de personajes rechazados por ser, tener gustos diferentes al resto. En una sociedad que se mueve por convencionalismos, ellos encuentran la aceptación y cariño en un grupo con los mismos ideales.

Sin embargo, la base del relato es sentimental. Se nota que la novela de Chobsky es autobiográfica porque la narración respira autenticidad, humor, ternura a partes iguales. Además, el film usa sabiamente la sutileza para perfilar los personajes; haciéndolos huir de los estereotipos y darles personalidad propia. Emma Watson quizá tiene el personaje del trío protagonista mas tópico de los tres pero ella lo eleva hasta convertirlo en el perfecto corazón de la función. Lógicamente, el mejor tratado en el papel es el protagonista encarnado por Logan Lerman; cuya personalidad incluye interesantes (y misteriosos) recovecos que el film explora con audacia. No sin olvidar la revelación Ezra Miller tan divertido como amargo en su rol.

Chobsky traduce el texto en imágenes cuya plasticidad se mezcla con la banda sonora que mas allá de elemento de estilo se utiliza como recurso emocional. Quizá se le puede reprochar algún tic forzado del indie mas pagado de si mismo como cierta idealización de lo que retrata (los protagonistas son muy "guapos" para ser marginales) pero su honestidad y solidez tanto actoral e interpretativa convierten el film en una admirable propuesta.

NOTA: 8



lunes, 21 de enero de 2013

CRÍTICA: EL LADO BUENO DE LAS COSAS



Ocho nominaciones a los óscars. Sus dos protagonistas y dos secundarios nominados; incluido Robert De Niro al que no nominaban desde 1992. Y todo en una comedia, género maldito de cara a los premios. Y la pregunta es... ¿Realmente vale tanto la pena el nuevo film de David O. Rusell? Pues para este humilde crítico...rotundamente NO. Es una película con algún aspecto destacable, básicamente en la parte actoral, pero es una comedia romántica...del montón. Si, si. Lo que oyen. No les voy a engañar. El film intenta darle un giro al subgénero explicando la historia de un bipolar (competente Bradley Cooper) que vuelve de una institución mental al sufrir una crisis durante su divorcio. Sin embargo, Pat que así se llama el protagonista, no acepta la ruptura y quiere volver con su ex a toda costa. Sin embargo, todo cambia cuando conoce a Tiffany, otra "loca" como él interpretada per Jennifer Lawrence (lo mejor del film con diferencia).

El principal problema del film es su nula progresión. La dinámica de cada escena es la misma. Mucha cháchara a menudo acertada pero a veces un tanto cargante, sobretodo en sus últimos compases. Y también que va perdiendo fuelle por reiteración. Unos diálogos que le dan un tono tragicómico al film; a veces forzado pero que condicionan (no sabemos si a propósito o deliberadamente) el resto de personajes. Describiendo las manías de cada papel uno se pregunta si realmente "están todos locos" y no sólo los protagonistas. Esa búsqueda de realismo en el film se difumina por culpa de algunos diálogos imposibles y ese uso de la comédia mal empleado que acaba derivando en farsa indigesta. Y para más inri, la parte final del film no mejora sino que sucumbe el tópico más rancio de los films del subgénero. 

Por fortuna, están ellos. Hablamos de Bradley Cooper, una tierna Jacki Weaver  o el propio De Niro (en el rol de comedia que nos tiene acostumbrado en films como “Los Padres de Ella”)) . Pero sobretodo está ELLA, una Jennifer Lawrence capaz de darle todo un matiz diferente, de iluminar la pantalla con su presencia. Si hay una razón para ver el film es ELLA. El resto del elenco realiza un trabajo correcto ajustándose a los roles pero la de la chica protagonista es de otra liga.

Conclusión: sobrevalorada. Tiene algunos momentos divertidos, es medianamente entretenida cuando se entra en su juego pero se acaba haciendo algo mónotona. Y el final no ayuda a reconociliarse con ella. Mejor alquilarla en el videoclub a menos que seáis fan de J. Lawrence. Un 5 y gracias. Y las nominaciones, excepto la actriz principal, para quien suscribe esto...una tomadura de pelo.

NOTA: 5

martes, 15 de enero de 2013

CRÍTICA: LA NOCHE MAS OSCURA

   Me gustó mucho " En Tierra Hostil" pero tampoco me entusiasmó. Para un servidor, era un film de acción excelente rodado con un protagonista carismático y algunas reflexiones sobre la guerra tan interesantes como sutiles en el fondo. Así que tenía esperanzas en que Katherine Bigelow nos diera algo más que la historia de la caza sobre el terrorista Osama Bin Laden por parte de la CIA. Pero nada más lejos de la realidad. 

   Para mí, el legado de" La Noche Más Oscura"  es puramente documental. La directora ha realizado una gran labor de documentación y nos explica con pelos y señales dicha investigación personalizada en Maya, una analista obsesionada en dar caza al líder de Alqaeda. Unos hechos tan recientes y candentes que el film opta por mostrar de forma aséptica para intentar "no tomar partido"; pero acaba perjudicando la película como film. Porque el film se empeña en usar esa objetividad (fingida, eso sí) para descuidar los personajes y en particular el de Maya a pesar de los esfuerzos de Jessica Chastain. Porque ella esta magnífica porqué es capaz de transmitir con una mirada y un gesto. Sin embargo, su personaje está desdibujado en el guión firmado por Mark Boal y la propia directora. En mi opinión, confunden sutileza con  indefinición. Incluso algún secundario está más perfilado que la protagonista como ese "torturador" amante de los primates que el libreto también acaba desaprovechando.

Y es que en el fondo, " La noche más oscura" es una nueva vuelta de tuerca a ese cine pesimista, cínico y hermético que nos viene desde la era Post 11 S. Es fácil reconocer la obsesión de Maya en un mundo de sobreinformación como en Zodiac o esa visión tan poco amable de las agencias gubernamentales contra el terrorismo en films como Syriana. Films que han tratado mucho mejor el tema que la que nos ocupa aunque la factura y la dirección de su alma máter sean impecables. Y a diferencia de ellos, y a pesar de denunciar ciertas situaciones, Katherine Bigelow no disimula la opción de mostrar Maya como una heroína aunque no entendamos muy bien porqué. Tampoco estamos en un film de barras y estrellas pero está más cerca de la propaganda que de la denuncia.
 
En definitiva, una obra más hueca de lo que parece; eso sí muy bien dirigida. Hay estratégicos golpes de efecto distribuidos correctamente en el film, entre ellos la de la operación que acabó con la muerte del terrorista que ocurre lógicamente en el desenlace. Pero acaba siendo camuflaje para un reportaje de casi tres horas que tiene menos de película de lo que en mi opinión, debería. Otra vez será.

NOTA: 6



lunes, 14 de enero de 2013

CRÍTICA: THE MASTER


   "No es una película fácil." Así empecé mi crítica sobre Holy Motors y aunque es un film muy diferente, también lo hago con The Master. No es para menos. El director P. T. Anderson nos acostumbra a proponer películas densas, que intentan hacer pensar. Esas películas están hechas a través de ideas mostradas de forma abstracta y sutil; de forma que el film pueda tener diferentes lecturas en los diferentes temas que trata. Este film es el mayor exponente de su filmografía por lo que hace a ese aspecto tan singular de su cine. Su película mas "rara". La pregunta es: ¿queremos un film inteligible o entramos en el juego que nos propone su director?

   No hay respuesta correcta. Es una opción muy personal al igual que esta cinta no és inmediata, pues necesita digestión previa después de su visionado. En mi caso, entré en el juego que nos propone porque no sólo me sedujo la historia si no la forma como está contada. Porque los recursos que usa el director para llevar a cabo su historia son los siguientes: Su capacidad visual y narrativa. Un guión estructurado de forma orgánica. Y un elenco de actores cuyas interpretaciones el film explota hasta las últimas consecuencias.

El tema está en que si al igual que el protagonista, Freddy Quell ( un Joaquín Phoenix en su mejor rol) estamos dispuestos a aceptar las órdenes de The Master que es el señor P. T. Anderson. Si compartimos esa visión del mundo donde el hombre es un animal, enjaulado o libre. O interpretamos esta historia de otra forma aunque el film parece estar empeñado en criticar a Lancaster Dodd (excelso P. S. Hoffman); una doctrina que nos han vendido basada en la Cienciología pero está más basada en técnicas de autoayuda new age. Si no he hablado de que va el film con exactitud, es porque prefiero que sean ustedes los que se aproximan a esta obra de forma virgen. Que sepan que van a ver un film duro, difícil sobre un hombre violento y obsesionado con el sexo y su relación con una posible secta. El resto es mejor que lo vayan descubriendo si se atreven a hacer ese viaje. Para mí, aunque algunas reticencias me parece un gran ejercicio de cine y lo disfrute casi hipnotizado.   

Así que ya saben, si quieren ver algo diferente vayan a ver The Master.

PD: Destacar también el trabajo de Amy Adams y la banda sonora de Johnny Greenwood.

NOTA: 8